La Capilla Sixtina es uno de los monumentos más visitados del mundo. Casi veinte mil personas al día y cinco millones al año acuden al Vaticano para admirar la obra maestra de Miguel Ángel.
La Capilla Sixtina antes de la intervención de Miguel Ángel
Las obras comenzaron el 10 de mayo de 1508, tal y como el propio Miguel Ángel anotó en su diario. La capilla a la que entró el artista se encontraba tal y como estaba cuando laconsagró Sixto IV. Cuenta con un espléndido suelo cosmatesco, una barandilla de mármol finamente esculpida y está decorada con frescos de los más grandes maestros de finales del siglo XV.
A la derecha se encuentran las historias de Cristo y a la izquierda, las de Moisés. Juntas, narran la historia de la salvación tal y como se describe en el Antiguo y el Nuevo Testamento. Tres paneles están pintados por el maestro florentino Sandro Botticelli;La entrega de las llaves, de Perugino, es el tema central de todo el ciclo, representación de la primacía de Pedro y, por tanto, de todos sus sucesores. No te pierdas el fresco de Ghirlandaio —que fue maestro del adolescente Miguel Ángel en Florencia—, La vocación de los apóstoles, y los realizados por Pinturicchio y Cosimo Rosselli. Cada panel se dispone uno al lado del otro siguiendo referencias precisas entre una historia y otra. Fue Perugino quien dirigió con maestría al grupo de pintores, reuniendo a personalidades artísticas con estilos muy diferentes e impartiendo una serie de características comunes a seguir: la línea del horizonte, el tamaño de las figuras y los pigmentos que debían utilizarse.
Debajo de las «Stories» hay una cortina falsa con el escudo de armas de Sixto IV y, por encima, una serie de papas dispuestos en parejas en nichos a ambos lados de las ventanas. En la pared del altar, donde ahora se encuentra el «Juicio Final», había un fresco de Perugino conocido como la «Asunción de la Virgen». La bóveda también estaba decorada con un fresco que representaba un cielo de lapislázuli y oro. Sin embargo, debido a un hundimiento, la capilla presentaba una gran grieta en el techo, por lo que, más allá de la decoración, también se había llamado a Miguel Ángel para resolver un problema estructural.
En aquella época, Miguel Ángel era un joven de 33 años que ya se había ganado la atención de sus contemporáneos. A los 24 años había esculpido la Piedad situada en San Pedro y, unos años antes de pintar al fresco la Capilla Sixtina, había realizado el David, que Vasari definió como la primera estatua moderna, situada en la Piazza della Signoria de Florencia.
En 1505, Miguel Ángel llegó a Roma desde Florencia y vivió en la casa de Antonio da Sangallo, quien era 30 años mayor que él y actuó como su protector. Sangallo le presentó aJulio II, el pontífice bajo cuyo pontificado Roma se convirtió en la gran capital de las artes, siguiendo el ejemplo de su tío, Sixto IV, quien había construido nuevas iglesias, un puente y había convocado a artistas de toda Italia para pintar al fresco su capilla.
El fresco de la bóveda
Ya en 1506, Julio II pensó en encargar a Miguel Ángel el fresco de la bóveda de la Capilla Sixtina, pero el encargo le fue asignado oficialmente en 1508. Miguel Ángel aceptó el reto, a cambio de una recompensa de 3000 ducados, y se dedicó a estudiar las obras de sus predecesores y a prepararse para pintar lo que sería su primer fresco. Contrató a Pietro Rosselli para que demoliera el cielo estrellado de la bóveda y la preparara para el nuevo fresco. Incluso antes de empezar a trabajar, ya había pensado en cinco ayudantes, como atestigua una de sus notas. Entre ellos se encontraban Francesco Granacci, un pintor conocido y consolidado, amigo de toda la vida de Miguel Ángel, y Giuliano Bugiardini, contemporáneo y amigo de Miguel Ángel; los tres se habían formado en el taller de Ghirlandaio. Pero la relación con los ayudantes, a pesar de la amistad, sería conflictiva.
Dado que la bóveda tenía veinte metros de altura, lo primero que había que hacer era montar el andamio. El papa le pidió que pintara a los doce apóstoles en los cuatro lados con un ornamento geométrico en el centro (en aquella época se exigía a los artistas que siguieran escrupulosamente los deseos de los mecenas). Con mil metros cuadrados a su disposición, Miguel Ángel expresó su perplejidad ante la idea de pintar solo doce figuras, y entonces el papa le concedió permiso para hacer lo que quisiera. Miguel Ángel partió del armazón y convirtió ese espacio en una estructura arquitectónica marcada por marcos y velas, plumas y lunetas, para luego pasar a las historias que debían representarse, y esos mil metros están poblados por unas trescientas figuras.
Miguel Ángel decoró dieciséis lunetas (dos de las cuales fueron posteriormente destruidas para dejar espacio al Juicio Final) que enmarcan la parte superior de las ventanas, por encima de las figuras de los primeros papas a los lados. La bóveda propiamente dicha está formada por ocho velas situadas sobre las lunetas de los muros laterales principales y dos pechinas en las esquinas de los dos muros menores. Tanto las lunetas como las velas representan a los antepasados de Cristo, las 48 generaciones que preceden a su venida a la tierra, tal y como las describe el Evangelio de Mateo. A los lados de las velas hay tronos con grandes videntes, las Sibilas de la tradición clásica y los Profetas del Antiguo Testamento que anunciaron la llegada de Cristo y anticiparon la historia de la salvación.
En las plumas se representan las historias de la intervención de Dios en la historia de su pueblo elegido: cuando David derrotó al gigante Goliat, cuando Judith decapitó al malvado Holofernes, cuando Moisés levantó la serpiente de bronce y detuvo la plaga que afectaba al pueblo del Éxodo y cuando se aseguró de que Amán fuera castigado.
En el centro de la bóveda hay nueve historias tomadas del Génesis, enmarcadas por los elementos arquitectónicos que se prolongan desde los tronos. Partiendo de la pared del altar, encontramos: La separación de la luz de las tinieblas; La creación del sol, la luna y las plantas; La separación de la tierra y el agua; La creación de Adán; La creación de Eva; El pecado original y la expulsión del paraíso; El sacrificio de Noé; El diluvio; y La embriaguez de Noé.
Miguel Ángel comenzó a pintar en el lado opuesto de la pared del altar y el primer panel en el que trabajó fue «El Diluvio», que presenta figuras muy pequeñas, casi como un dibujo, y en cuya realización invirtió veintiocho días. En este caso, intervinieron sus cinco ayudantes, pero sin duda él mismo pintó personalmente la figura del anciano que arrastra a su hijo muerto y también modificó parte de la escena pintada por sus colegas. Luego, gradualmente, a partir de «El pecado original», las figuras se hicieron cada vez más grandes y la ejecución más rápida, hasta tal punto que «La expulsión del Paraíso» solo le llevó cuatro días.
En los marcos, que ocupan las esquinas de las escenas más pequeñas del Génesis, hay jóvenes con cuerpos hermosos, una glorificación del cuerpo masculino desnudo, que miran hacia medallones monocromáticos de bronce que representan escenas del Antiguo Testamento.
Pronto Miguel Ángel sufrió una crisis, no quería continuar y deseaba liberarse del compromiso; parecía incapaz de trabajar adecuadamente y escribió una carta a su padre en la que confesaba que la pintura no era su profesión. En realidad, Miguel Ángel pintaba con gran dificultad; la luz de las ventanas era tenue, apenas podía ver dónde ponía los pies en el andamio y tenía que permanecer de pie con el brazo levantado durante horas mientras la pintura le chorreaba por la cara. Su salud comenzó a resentirse por ese esfuerzo, especialmente cuando llegó al centro de la bóveda. Miguel Ángel trabajaba de seis a ocho horas al día en el andamio, pero antes del trabajo de pintura estaba el de los dibujos y bocetos preparatorios, borradores e ilustraciones de los que solo quedan un centenar, repartidos por Europa y Estados Unidos.
En el verano de 1510, Miguel Ángel avanzó hasta donde comenzaba el primer andamio. Ahora tenía que desmontarlo y volver a montarlo para terminar la segunda parte de la bóveda, pero en realidad, para él comenzaría un año de parón involuntario. Julio II se encontraba en Bolonia debido al conflicto con los franceses, que se estaba volviendo cada vez más encarnizado, y había dejado a Miguel Ángel sin instrucciones ni medios para continuar. Tras perder Bolonia, que había caído en manos de los franceses, Julio II regresó a Roma y, en agosto de 1511, fue a ver la Capilla Sixtina y el fresco a medio terminar. En octubre, se volvió a montar el andamio y se reanudó el trabajo a partir de La creación de Adán, el panel más famoso, un momento solemne en el que el contacto entre el Creador y la criatura entró en la historia del arte.
Miguel Ángel había adquirido ya la experiencia suficiente para abandonar la técnica del esbozo a lápiz y pasar al grabado indirecto, que resultaba mucho más rápido. De este modo, el pintor podía trabajar directamente sobre la pared.
Aunque el artista trabajaba más rápido, el papa le metía prisa, lo que le causaba desesperación. Finalmente, en octubre de 1512, retiró el andamio y mostró al papa y a sus seguidores la bóveda de la capilla, y Julio II quedó muy satisfecho. Unos meses más tarde, el papa murió y Miguel Ángel regresó veinticinco años después, cuando ya tenía sesenta años, para pintar el Juicio Final.
El Juicio Final
Ya maduro, Miguel Ángel regresó a la Capilla Sixtina por encargo delpapa Clemente VIIy, durante cinco años, de 1536 a 1541, pintó al fresco los 180 metros cuadrados de la pared situada detrás del altar con cuatrocientas figuras.
La obra desencadenó el debate entre los teólogos, que vieron en ella una herejía latente, sobre todo en el lugar más sagrado, donde se elegía a los papas. Circularon acusaciones de obscenidad, inmoralidad, invectivas e incluso la posibilidad de cubrir la pintura.
El fresco presentaba sin duda muchos elementos innovadores con respecto a la tradición, ya que el Juicio Final siempre se había representado como una corte celestial donde se decidía el destino último de la humanidad, entre el Cielo y el Infierno, con Cristo presidiendo y los santos como jueces, las huestes angélicas y la figura de San Miguel Arcángel que pesaba las almas con la balanza, todo dispuesto en líneas horizontales.
En la obra de Miguel Ángel no hay nada de esta tradición. Están los bienaventurados y los condenados, pero su distinción ni siquiera parece clara y la narración se dispone en líneas verticales. La acción es casi un vórtice que se origina a la izquierda, donde los bienaventurados se elevan al cielo, y termina a la derecha, donde caen los condenados.
El gesto de Cristo, joven y poderoso, parece más un gesto de maldición que de juicio equilibrado y da lugar al movimiento que hace caer a los condenados y ascender a los bienaventurados. Tiene una expresión airada, y la Virgen está representada de espaldas, casi temerosa, como si no se atreviera a mirar a su hijo. En el centro y a los lados de Cristo, la acción está suspendida: los bienaventurados están voltados hacia él, ansiosos, asustados, esperando a que se pronuncie el veredicto final.
Los santos se reconocen fácilmente porque sostienen en sus manos los símbolos de su historia o de su martirio: San Pedro, a la derecha de Jesús, está a punto de devolver las llaves; San Lorenzo lleva la escalera al hombro y San Sebastián sostiene en la mano las flechas con las que fue martirizado. Una de las imágenes más impactantes es la de San Bartolomé, desollado vivo, que tiene el rostro dePietro Aretino, el poeta que había criticado la desnudez del Juicio, mientras que la piel que sostiene en la mano tiene el rostro del propio Miguel Ángel, lo que simboliza la tortura causada por críticas tan insistentes.
La representación sugiere el gran bullicio y el ruido ensordecedor de las trompetas que tocan los ángeles del Apocalipsis, anunciando el fin de los tiempos y despertando a los muertos, así como los gritos de los condenados, arrojados por ángeles y demonios despiadados. Los cuerpos, especialmente los de los condenados, distan mucho de la armonía de las figuras de la bóveda; son torpes, casi caricaturescos. En la parte inferior se encuentra Caronte transportando a los condenados y golpeando a algunos de ellos con un remo, empujándolos hacia Minos, el juez infernal con orejas de burro, envuelto en una serpiente que le muerde los genitales. La figura de Minos, así como la del maestro de ceremonias del papa Biagio da Cesena, quien había criticado duramente los desnudos de Miguel Ángel, también se identificaba con Pierluigi Farnese, hijo del papa Pablo III, famoso en Roma por sus actos violentos y la sodomía. A la izquierda, los resucitados en carne y hueso ascienden al cielo recuperando sus cuerpos, algunos grotescamente unidos a un rosario. En la parte superior, fuera del movimiento circular, los ángeles llevan la cruz, casi con un movimiento amenazante. Incluso en el Juicio Final, similar a la bóveda, las figuras no tienen la misma perspectiva, se agrupan o se alejan, dejando grandes espacios de azul, y cada porción del fresco está pintada con extrema atención al detalle.
Esta visión caótica y angustiosa se debe a los acontecimientos históricos que marcaron esa época. El Saqueo de Roma de 1527, durante el cual murieron 20 000 ciudadanos, pero también elConcilio de Trento, convocado porJulio III Farnese(el papa que confirmó el encargo a Miguel Ángel tras la muerte de Clemente VII), en una época en la que, en Europa, la palabra que más circulaba era «herejía», una acusación que también afectó a personas cercanas al artista. El Juicio Universal parecía, por tanto, un enorme tribunal de la Inquisición.
En 1564, un año antes de la muerte de Miguel Ángel, la Congregación del Concilio de Trento decretó que se cubrieran las obscenidades del fresco y encargó a un discípulo de Miguel Ángel,Daniele da Volterra, más tarde conocido como Braghettone (el fabricante de calzones), que vistiera a los desnudos con calzones. Las intervenciones moralizantes y las críticas no terminaron ahí y, con el tiempo, se produjeron otras intervenciones de censura, posteriormente eliminadas gracias a la larga y cuidadosa restauración completada en 1994.